Super Bowl 2026 com Green Day, Megadeth em turnê final e as maiores notícias do rock e metal!

Aqui está um compilado detalhado das principais notícias do mundo do metal e rock

🎸 Green Day na abertura do Super Bowl 2026

O Green Day foi confirmado como atração da cerimônia de abertura do Super Bowl LX, que acontecerá em 8 de fevereiro de 2026, no Levi’s Stadium, em Santa Clara, Califórnia. A escolha da banda californiana tem um simbolismo especial, já que o evento celebra os 60 anos da maior final esportiva dos Estados Unidos e acontece justamente na região da Baía de São Francisco, berço do grupo. Billie Joe Armstrong declarou estar honrado em abrir o espetáculo “no quintal de casa”, prometendo uma apresentação vibrante e cheia de energia.

A performance será marcada por um medley de sucessos da carreira, enquanto ex-MVPs do Super Bowl caminharão pelo campo em uma homenagem às lendas do futebol americano. A NFL destacou que a presença do Green Day é uma forma de unir a história do esporte com a cultura musical, reforçando o caráter festivo e histórico da edição. O show deve incluir clássicos como “Basket Case”, “American Idiot” e “Boulevard of Broken Dreams”.

Além da relevância esportiva, o anúncio reforça a posição do Green Day como uma das bandas mais duradouras e influentes do punk rock. O grupo, formado em 1986, já vendeu milhões de discos e conquistou prêmios como o Grammy. Sua participação no Super Bowl é vista como um reconhecimento de sua importância cultural e musical.

A cerimônia de abertura é tradicionalmente um momento de celebração antes do jogo, mas raramente recebe bandas de rock tão icônicas. A escolha da NFL mostra uma tentativa de atrair públicos diversos e reforçar a conexão entre música e esporte. O Green Day, com sua energia explosiva, promete transformar o estádio em um verdadeiro festival.

O impacto da apresentação deve ser global, já que o Super Bowl é transmitido para milhões de espectadores em todo o mundo. A performance pode também impulsionar novos ouvintes a conhecerem a discografia da banda, especialmente os mais jovens que talvez não tenham acompanhado seu auge nos anos 1990 e 2000.

Por fim, a expectativa é que o show seja lembrado como um dos momentos mais marcantes da história do Super Bowl, colocando o Green Day ao lado de artistas que já brilharam no evento, como U2, Bruce Springsteen e Beyoncé.

🤘 Megadeth no Barcelona Rock Fest 2026

O Barcelona Rock Fest 2026 confirmou a presença do Megadeth como parte de sua turnê de despedida, em um show histórico marcado para o dia 3 de julho. A banda liderada por Dave Mustaine apresentará seu novo álbum homônimo, lançado em janeiro de 2026, além de revisitar clássicos que marcaram sua trajetória de mais de quatro décadas.

O festival acontecerá no Parc de Can Zam, em Santa Coloma de Gramenet, e reunirá milhares de fãs para três dias de celebração do rock e metal. A presença do Megadeth é considerada um dos pontos altos da edição, já que será uma das últimas oportunidades de ver a banda ao vivo na Espanha. O grupo promete uma setlist que inclui hinos como “Symphony of Destruction”, “Peace Sells”, “Hangar 18” e “Holy Wars… The Punishment Due”.

A turnê de despedida marca o fim de uma era para o thrash metal. Desde sua formação em 1983, o Megadeth se consolidou como uma das “Big Four” do gênero, ao lado de Metallica, Slayer e Anthrax. Sua influência é reconhecida não apenas pela técnica apurada, mas também pelas letras críticas e pela postura combativa de Mustaine.

O anúncio gerou grande expectativa entre os fãs espanhóis e europeus, que veem o show como uma despedida emocionante. Muitos já consideram o evento como histórico, comparável às últimas apresentações de bandas como Slayer e Black Sabbath. A venda de ingressos foi intensa, com pacotes esgotando rapidamente.

Além do Megadeth, o Barcelona Rock Fest contará com outras atrações de peso, mas a presença da banda norte-americana é vista como o grande destaque. A performance deve unir gerações de fãs, desde os que acompanharam o grupo nos anos 1980 até os mais jovens que descobriram sua música recentemente.

O legado do Megadeth continuará vivo mesmo após o fim das turnês, com sua discografia e influência permanecendo como referência para músicos e fãs. O show em Barcelona será, sem dúvida, um dos momentos mais emocionantes da história do festival.

🎶 O verdadeiro autor do solo de “Detroit Rock City” (Kiss)

Embora muitos fãs acreditassem que o solo de guitarra da clássica “Detroit Rock City” fosse obra de Ace Frehley, a verdade é que o responsável pela composição foi o produtor Bob Ezrin. A revelação foi feita pelo próprio Frehley em entrevistas, destacando como Ezrin teve papel fundamental na sonoridade do álbum Destroyer (1976).

Ezrin, conhecido por seu trabalho com Alice Cooper e Pink Floyd, trouxe uma abordagem mais complexa e sofisticada ao Kiss, que até então era visto como uma banda de hard rock direto e simples. Sua contribuição incluiu arranjos orquestrais, efeitos sonoros e, claro, a criação de solos memoráveis. O de “Detroit Rock City” é considerado um dos mais icônicos da discografia da banda.

A decisão de Ezrin de compor o solo mostra como produtores podem influenciar profundamente o som de uma banda. No caso do Kiss, sua intervenção ajudou a transformar Destroyer em um dos álbuns mais importantes da carreira do grupo, elevando-o a um novo patamar artístico. O disco também inclui faixas como “Beth” e “God of Thunder”.

Ace Frehley, apesar de não ter criado o solo, foi responsável por executá-lo junto com Paul Stanley, dando vida à ideia de Ezrin. Essa colaboração mostra como o Kiss funcionava como uma banda aberta a influências externas, especialmente quando se tratava de inovar sua sonoridade.

A revelação também reforça a importância de Ezrin como um dos grandes produtores da história do rock. Sua capacidade de entender o potencial das bandas e expandir seus horizontes foi crucial para o sucesso de muitos artistas. No caso do Kiss, ele ajudou a consolidar sua imagem como mais do que apenas uma banda de espetáculo.

Hoje, “Detroit Rock City” continua sendo um hino do rock, e o solo de Ezrin é lembrado como um exemplo de como a colaboração entre músicos e produtores pode gerar resultados atemporais.

📀 O melhor álbum de 11 bandas dos anos 2000 (Loudwire)

A revista Loudwire publicou uma lista com os melhores álbuns de 11 bandas lendárias que surgiram nos anos 2000, destacando o impacto cultural e musical de cada obra. O período foi marcado pela diversidade de estilos, incluindo nu metal, post-grunge, emo e rock alternativo, que dominaram o mainstream.

Entre os destaques estão álbuns de bandas como Linkin Park, Evanescence, System of a Down, Slipknot e The White Stripes. Cada escolha foi feita levando em conta não apenas a qualidade musical, mas também a relevância histórica e a influência sobre uma geração marcada por angústia e melancolia.

O início dos anos 2000 é considerado por muitos críticos como a última grande era do rock em que os subgêneros estavam claramente definidos. Foi um período em que o estilo ainda tinha forte presença nas paradas de sucesso e nos grandes festivais, antes da ascensão do pop e do hip-hop como dominantes.

A lista da Loudwire reforça como esses álbuns continuam relevantes até hoje, sendo revisitados por fãs e novos ouvintes. Obras como Hybrid Theory (Linkin Park) e Fallen (Evanescence) são vistas como marcos culturais que definiram a estética e os sentimentos da época.

Além disso, a seleção mostra como o rock dos anos 2000 foi capaz de dialogar com diferentes públicos, desde os mais pesados até os mais melódicos. Essa diversidade ajudou a manter o gênero vivo e relevante, mesmo em um cenário de mudanças rápidas na indústria musical.

A publicação da Loudwire é uma oportunidade de revisitar essa década e reconhecer a importância de bandas que, mesmo surgindo em um período de transição, conseguiram deixar uma marca duradoura na história da música.

🎧 Radiohead e a estratégia para evitar vazamento de OK Computer

Em 1997, o Radiohead lançou o icônico álbum OK Computer, mas antes disso precisou lidar com o risco de vazamentos, comuns na época devido às cópias promocionais em fitas e CDs. Para evitar o problema, a banda e a Capitol Records adotaram uma estratégia inusitada: lacrar fitas cassete em Walkmans com epóxi, impossibilitando a duplicação. Essa medida foi considerada radical, mas extremamente eficaz, já que impedia que jornalistas e críticos que recebiam cópias promocionais pudessem reproduzir ou copiar o material antes da data oficial de lançamento.

Essa solução criativa garantiu que o álbum chegasse ao público sem ser pirateado, algo que era uma grande preocupação nos anos 1990, quando a indústria fonográfica ainda não tinha ferramentas digitais para proteger seus lançamentos. Os Walkmans promocionais se tornaram itens raros e de colecionador, vendidos anos depois por valores altos em plataformas online. Hoje, são lembrados como símbolos de uma época em que gravadoras precisavam ser engenhosas para proteger seus artistas e suas obras.

OK Computer é considerado um dos álbuns mais importantes da história da música, com faixas como “Airbag”, “Paranoid Android” e “Karma Police”. O disco marcou uma transição do Radiohead para um som mais experimental e atmosférico, afastando-se do estilo mais direto de The Bends. A estratégia de proteção contra vazamentos acabou contribuindo para aumentar a expectativa do público, tornando o lançamento ainda mais impactante. Quando finalmente chegou às lojas, o álbum foi recebido com aclamação crítica e rapidamente se tornou um marco cultural.

A decisão de adotar medidas tão drásticas também mostra a importância que a banda e a gravadora davam ao projeto. OK Computer não era apenas mais um disco: era visto como um trabalho que poderia redefinir o rumo da música alternativa. E de fato, o álbum influenciou profundamente o rock e a música eletrônica, sendo citado por inúmeros artistas como inspiração. A proteção contra vazamentos ajudou a preservar o impacto da obra, garantindo que os fãs a descobrissem da forma planejada.

O sucesso do álbum foi imediato, alcançando posições altas nas paradas e recebendo prêmios importantes. Mais do que isso, OK Computer consolidou o Radiohead como uma das bandas mais inovadoras de sua geração. A estratégia de evitar vazamentos se tornou parte da narrativa do disco, reforçando sua aura de mistério e exclusividade. Até hoje, críticos e fãs lembram desse episódio como um exemplo da engenhosidade da indústria musical em tempos pré-digitais.

Por fim, a história dos Walkmans lacrados com epóxi é uma curiosidade que ajuda a entender o contexto da época e o valor que OK Computer tinha para seus criadores. O álbum não apenas resistiu ao tempo, mas se tornou um clássico absoluto, frequentemente listado entre os melhores de todos os tempos. A estratégia de proteção contra vazamentos, embora incomum, acabou sendo parte fundamental de sua lenda, mostrando que até os detalhes fora da música podem contribuir para a construção de um mito cultural.

🎸 Jimmy Page e o álbum que envelheceu mal

Jimmy Page, lendário guitarrista do Led Zeppelin, reconheceu em entrevistas recentes que o álbum lançado com o supergrupo The Firm, em meados dos anos 1980, não resistiu bem ao tempo. O disco, fruto da parceria com Paul Rodgers (ex-Free e Bad Company), foi pensado como uma tentativa de unir forças criativas após o fim do Zeppelin, mas acabou refletindo excessivamente os clichês da década. Page admitiu que, embora houvesse boas ideias, a produção e os arranjos soam datados.

O guitarrista explicou que a sonoridade do álbum foi moldada por tendências da época, como sintetizadores e baterias eletrônicas, que hoje não têm o mesmo impacto. Para ele, o trabalho é um retrato fiel dos anos 1980, com seus excessos e experimentações, mas não alcança a atemporalidade que marcou sua obra com o Led Zeppelin. Essa autocrítica mostra a consciência artística de Page sobre sua própria trajetória.

Apesar das críticas, o disco teve importância histórica, pois marcou o retorno de Page aos palcos após anos de silêncio. Muitos fãs viram o projeto como uma forma de manter viva a chama do rock clássico em um período dominado por novos estilos. A parceria com Rodgers trouxe momentos interessantes, mas não conseguiu atingir o mesmo nível de genialidade que os trabalhos anteriores.

O reconhecimento de Page sobre as limitações do álbum reforça a ideia de que nem todo projeto de grandes músicos se torna um clássico. Ainda assim, o disco é lembrado como uma curiosidade na carreira do guitarrista, mostrando sua disposição em explorar novos caminhos mesmo após o auge. Para os colecionadores, continua sendo uma peça valiosa.

A crítica também abre espaço para refletir sobre como a música envelhece. Muitos álbuns dos anos 1980 são vistos hoje como datados, mas ao mesmo tempo representam uma época de ousadia e experimentação. O trabalho de Page com The Firm se encaixa nesse contexto, sendo mais um capítulo da história do rock.

No fim, o guitarrista mostra humildade ao reconhecer que nem tudo que produziu alcançou a eternidade. Essa sinceridade apenas reforça sua grandeza como artista, capaz de olhar para trás e avaliar sua obra com honestidade.

🎤 Roger Waters e a reunião do Pink Floyd no Live 8

Em 2005, o mundo foi surpreendido pela reunião do Pink Floyd no Live 8, evento beneficente organizado por Bob Geldof. A volta da banda, após décadas de conflitos internos, só foi possível graças à atitude de Roger Waters, que deixou de lado as desavenças com David Gilmour e convenceu o guitarrista a participar. Waters declarou que o objetivo maior era apoiar a causa humanitária, e que as diferenças pessoais não deveriam impedir esse momento histórico.

O show, realizado em Londres, reuniu Waters, Gilmour, Nick Mason e Richard Wright, marcando a primeira vez que os quatro tocavam juntos desde 1981. A apresentação incluiu clássicos como “Comfortably Numb” e “Wish You Were Here”, emocionando milhões de fãs ao redor do mundo. Foi um dos momentos mais icônicos da história do rock.

A atitude de Waters foi vista como um gesto de maturidade e reconciliação. Durante anos, ele e Gilmour trocaram farpas públicas, mas no Live 8 mostraram que ainda havia respeito mútuo. O evento provou que a música podia superar rivalidades e unir pessoas em torno de uma causa maior.

O impacto da reunião foi enorme, reacendendo o interesse pelo Pink Floyd e levando novas gerações a descobrir sua obra. Embora não tenha resultado em uma volta definitiva da banda, o show ficou marcado como uma celebração única de sua história. Para muitos fãs, foi a realização de um sonho.

Waters declarou posteriormente que não se arrependeu de ter dado esse passo. Para ele, o Pink Floyd sempre representou algo maior do que os indivíduos, e o Live 8 foi a oportunidade de mostrar isso ao mundo. Gilmour, por sua vez, reconheceu que o momento foi especial, mesmo que não tenha mudado sua decisão de seguir em carreira solo.

O Live 8 permanece como um exemplo de como artistas podem usar sua influência para causas sociais. A reunião do Pink Floyd foi mais do que um show: foi um símbolo de união e esperança em tempos de crise.

🎧 Roger Waters e oposição a Trump

Em janeiro de 2026, Roger Waters voltou a causar polêmica ao declarar que poderia ser morto por se opor ao presidente Donald Trump. O ex-integrante do Pink Floyd criticou duramente a intervenção dos Estados Unidos na Venezuela, afirmando que a política externa americana estava causando sofrimento ao povo latino-americano. Waters disse que sua postura crítica poderia colocá-lo em risco, mas que não se calaria diante das injustiças.

As declarações foram feitas durante um evento em Londres, onde Waters reforçou sua posição contra guerras e intervenções militares. Ele destacou que sempre usou sua música como forma de protesto e que não pretendia mudar agora. Para o baixista, a arte deve ser uma ferramenta de resistência e conscientização.

A fala repercutiu mundialmente, gerando debates sobre liberdade de expressão e o papel dos artistas na política. Muitos apoiaram sua coragem, enquanto outros criticaram o tom alarmista. Waters, no entanto, manteve sua postura firme, lembrando que já enfrentou críticas semelhantes em outras ocasiões.

O músico tem histórico de posicionamentos políticos fortes, especialmente contra governos que considera opressores. Sua obra solo e suas apresentações ao vivo frequentemente incluem mensagens contra guerras, desigualdade e autoritarismo. Essa coerência reforça sua imagem como um artista engajado.

A polêmica também reacendeu discussões sobre a relação entre música e política. Waters representa uma tradição de músicos que usam sua arte para questionar o poder, seguindo os passos de nomes como Bob Dylan e John Lennon. Sua postura mostra que o rock ainda pode ser uma voz de resistência.

Independentemente das críticas, Waters continua sendo uma figura influente. Suas declarações podem incomodar, mas também inspiram milhões de pessoas a refletirem sobre o mundo. Para ele, esse é o verdadeiro papel da música: provocar mudanças e despertar consciências.

🎸 Clemente e a cirurgia cardíaca

Clemente, vocalista dos Inocentes e integrante da Plebe Rude, revelou recentemente que teve apenas 30% de chances de sobreviver após uma cirurgia emergencial no coração realizada em dezembro de 2025. O músico ficou quase um mês internado na UTI, enfrentando um dos momentos mais difíceis de sua vida. Em entrevista, ele contou que a experiência o fez repensar sua trajetória e valorizar ainda mais a música.

O procedimento foi necessário após complicações cardíacas graves. Clemente relatou que os médicos foram claros sobre os riscos, mas que conseguiu superar graças ao tratamento intensivo e ao apoio da família. Sua recuperação foi lenta, mas hoje ele afirma estar pronto para voltar aos palcos.

A notícia emocionou fãs e colegas de banda, que acompanharam de perto sua luta pela vida. Muitos destacaram a importância de Clemente para o rock brasileiro, lembrando sua contribuição desde os anos 1980. Sua sobrevivência foi vista como uma vitória não apenas pessoal, mas também para a cena musical.

Durante a internação, Clemente refletiu sobre sua carreira e sobre como a música sempre foi sua força motriz. Ele declarou que pretende continuar compondo e se apresentando, mas com mais cuidado com a saúde. Para ele, o episódio foi um alerta sobre a importância de se cuidar.

A revelação também trouxe à tona discussões sobre a saúde dos músicos, que muitas vezes enfrentam rotinas intensas e desgastantes. Clemente afirmou que pretende usar sua experiência para conscientizar outros artistas sobre a necessidade de acompanhamento médico.

Hoje, recuperado, Clemente vê a vida com novos olhos. Sua história é um exemplo de superação e inspiração para fãs e músicos, mostrando que a paixão pela arte pode ser uma força poderosa diante das adversidades.

🎶 Café Tacvba e a saída do Spotify

A banda mexicana Café Tacvba, uma das mais influentes do rock latino, anunciou que está tentando retirar toda sua discografia do Spotify. O vocalista Rubén Albarrán explicou que a decisão foi motivada por questões éticas, já que considera injusto o modelo de remuneração da plataforma para os artistas. Segundo ele, os músicos recebem valores irrisórios em comparação ao lucro das empresas de streaming.

Albarrán afirmou que a banda prefere que os fãs escutem suas músicas em formatos físicos ou em plataformas que ofereçam condições mais justas. Para o grupo, a arte não deve ser tratada apenas como produto, mas como expressão cultural que merece respeito. A decisão gerou debates sobre o futuro da música digital.

O Café Tacvba tem uma trajetória marcada por inovação e engajamento social. Desde os anos 1990, a banda mistura rock com ritmos tradicionais mexicanos, conquistando reconhecimento internacional. Sua postura crítica em relação ao mercado musical reforça sua imagem de grupo comprometido com valores culturais.

A saída do Spotify pode inspirar outros artistas a questionarem o modelo de streaming. Muitos já criticam a falta de transparência e a baixa remuneração, mas poucos tomaram medidas tão drásticas. O gesto do Café Tacvba é visto como um ato de resistência.

Os fãs reagiram de forma dividida: alguns apoiaram a decisão, enquanto outros lamentaram a dificuldade de acessar as músicas. A banda, no entanto, garantiu que continuará disponibilizando.

🤘 Kerry King e o melhor álbum do Black Sabbath

Kerry King, guitarrista do Slayer e um dos nomes mais respeitados do thrash metal, surpreendeu recentemente ao revelar qual considera ser o melhor álbum do Black Sabbath, e sua escolha chamou atenção porque não foi um dos discos mais óbvios ou citados pelos fãs da formação original, mas sim um trabalho menos lembrado que, segundo ele, representa de forma única a essência da banda e sua influência sobre gerações de músicos;

King explicou que o álbum escolhido tem uma sonoridade que dialoga diretamente com o que o Slayer buscava em seus primeiros anos, e que embora muitos fãs sempre apontem clássicos como Paranoid ou Master of Reality como os melhores, para ele esse disco específico tem um peso especial, mostrando como até os gigantes do metal têm suas preferências pessoais que fogem do consenso geral;

Essa revelação também reforça a importância de revisitar álbuns menos citados da discografia do Sabbath, já que a banda tem uma trajetória extensa e cheia de fases diferentes, e cada uma delas trouxe contribuições importantes para o desenvolvimento do metal, e no caso de King, sua escolha mostra como o Slayer foi diretamente influenciado pelo Sabbath, não apenas nos riffs pesados, mas também na atmosfera sombria e na postura contestadora, e essa conexão entre gerações de músicos ajuda a entender como o metal se construiu como um gênero que se alimenta das referências do passado para criar o futuro, e ao mesmo tempo abre espaço para os fãs refletirem sobre suas próprias escolhas e redescobrirem discos que talvez tenham ficado esquecidos, mas que ainda têm muito a oferecer, e no fim, a fala de Kerry King mostra que mesmo os músicos mais experientes continuam sendo fãs apaixonados, capazes de se emocionar e se inspirar com álbuns que marcaram suas vidas, e isso é uma prova de que o legado do Black Sabbath continua vivo e pulsante, influenciando não apenas os fãs, mas também os artistas que ajudaram a moldar o metal moderno.